Catégorie : Making-of

Une bonne correction

Si vous suivez le blog régulièrement, vous savez que je n’ai plus peur d’aller modifier mes BD’s quand des cases ne me conviennent pas. J’ai profité de ma nouvelle table lumineuse pour apporter des changements mineurs (mais nécessaires) à deux vieilles cases.

Tout commence alors que Nicolas Archimède colorise la planche 9. Il m’envoie alors un message, se posant des questions existentielles sur la signification d’un détail d’une planche. Au niveau du bras d’Alexis, une sorte de cordon traîne, mais qu’est-ce ? Un bout du sac à dos ? Après m’avoir posé la question, force est de constater que c’est une erreur… Continuer la lecture de « Une bonne correction »

Dessiner un homme les fesses à l’air

makingofDésormais, lorsque je vois deux cases qui se suivent avec le même point de vue, mon sang ne fait qu’un tour : il faut sortir les calques et la table lumineuse. Alors quand c’est trois cases qui se profilent à l’horizon… Et pourtant…

Dans la page 25 de Jotunheimen, les trois cases du bas se suivent avec le même décor et le même point de vue. L’occasion de travailler selon les principes de répétition avec des calques pour gagner en temps et en précision. Seulement voilà à quoi ressemblait mon storyboard :

page25_storyboard

Si l’attitude est toujours la même, l’évidence du décor reproduit ne saute pas aux yeux. Du coup, comme un imbécile, je me suis lancé dans la première case sans penser à réaliser d’abord mon décor. J’ai donc dessiné le personnage, puis galéré pour faire le décor adapté au personnage (il va sans dire qu’il est souvent plus simple de faire l’inverse). Réalisant mon erreur, j’ai décalqué le décor, puis l’ai reproduit grâce à une table lumineuse.

page25_calque1Alors forcément, une symétrie centrale de masses rectilignes, ce n’est pas très sexy.Tant mieux, puisque le but est de mettre en avant le corps du personnage, qui change d’attitude. Ainsi, le quadrillage des carreaux de la douche permettent de bien l’intégrer. De même, le banc mis au premier plan aide à cette visualisation de l’espace.

J’ai alors dessiné sur calque les deux poses restantes d’Alexis. J’ai un peu galéré, surtout que j’ai commencé à le dessiner trop grand. Il faisait la même taille que dans la première case alors qu’il devait être plus petit vu l’effet de profondeur.

Je vous épargne quand même les photos qui m’ont servi de référence… Difficile de trouver quelque chose de vraiment pertinent, j’ai donc du me débrouiller un peu tout seul sur l’anatomie d’Alexis.

J’ai fini par parvenir à mes fins et j’ai tout reproduit sur table lumineuse.

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On voit bien sur les comparaisons des calques que les premières tentatives (au centre) sont plus grandes que les versions définitives.

Cette technique de calques est vraiment utile dans mon travail, même si cela reste ponctuel. Ce système de répétition de cases est efficace en bande-dessinée et je l’ai déjà utilisé à plusieurs reprises dans les première pages. J’ai même du supprimer du storyboard d’autres séries de ce genre à cause de leur redondance. C’est le cas de la prochaine page dont j’ai du changer le découpage…

Autre chose : Mon tumblr est régulièrement animé avec de nouvelles mises à jour présentant des crayonnés. C’est d’ailleurs le cas aujourd’hui. N’hésitez pas à y faire un tour.

Dessiner un paysage de grands espaces

makingofCe qui m’inquiétait le plus lorsque j’ai commencé Jotunheimen, c’était le dessin de paysages. Si j’avais appris petit à petit à gérer les espaces urbains grâce à la perspective, c’était complètement différent pour des montagnes vide de toute construction humaine. Et la page 24 me réservait une surprise que j’avais coché depuis bien longtemps dans mon scénario : une case grand format représentant une vue complète sur la vallée suivante… Comment relever ce défi ?

Quand je dis que j’avais anticipé dès le début que cette planche risquait de me donner des sueurs froides, j’en ai même la preuve ! Avant d’avoir dessiné une seule planche, j’avais effectué un test d’encrage sur le même paysage, ne sachant pas à ce moment-là comment gérer ce genre de dessin.

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Dessin réalisé à partir de la même photo.

Témoin de mes errances et questionnements en début de projet, j’avais également fait un essai de grande illustration paysagère pour m’entraîner et voir si cela tenait la route. C’était loin d’être satisfaisant…

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Mais en accumulant les planches avec des paysages, je commence à assouplir mon poignet et à donner plus de vie à l’ensemble. Surtout, je prends beaucoup de plaisir à délaisser la règle servant à tracer mes perspectives. Ici, tout est souple, tout est rond et tout le monde aura bien conscience que j’ai toujours eu un trait rondouillard. C’est clairement ce qui me convient le mieux. Restait le souci d’enrichir les détails au sol intelligemment. Heureusement, une case de la planche précédente m’a obligé à travailler le tout :

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Cette case devait être pleine de cailloux (et sans herbe), tout en montrant la grandeur des lieux (via l’arrière-plan). C’était avant tout une question de patience. Il fallait poser des gros rochers bien identifiés et aux formes diverses, puis remplir de petits cailloux.

Pour mon paysage, la construction du crayonné s’est fait de façon assez simple. J’ai posé les grandes masses, puis je suis monté peu à peu en détails : herbes, roches, cailloux, etc. Et à la fin, j’ai affiné les traits pour voir où j’allais réellement encrer. J’ai également défini les masses pour l’encrage des matières.

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Au niveau de l’encrage, j’ai utilisé trois plumes différentes :

  • Une grosse plume pour l’avant-plan
  • Une petite plume usée pour les plans intermédiaires et les textes
  • Une petite plume neuve pour l’arrière-plan.

J’ai commencé par les textes et l’avant plan :

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J’ai ensuite réalisé l’arrière plan. On remarque que j’ai laissé la masse de rocher de droite en crayonné jusque là. Pour moi, cet espace est critique puisqu’il doit bien se détacher de la masse de montagnes juste derrière.

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Pour bien représenter cet enjeu, voilà ce qu’il faut éviter.

Si l'encrage est raté, les rochers semblent faire partie de la chaîne de montagne de l'arrière plan.
Si l’encrage est raté, les rochers semblent faire partie de la chaîne de montagne de l’arrière plan.
Voilà les masses qui doivent apparaître à l'encrage
Voilà les masses qui doivent apparaître à l’encrage

Cette distinction des masses passe par l’encrage. Deux aspects permettent alors à l’œil de bien faire la différence :

  • L’épaisseur du trait
  • Le niveau de détails

Le résultat, comme vous l’avez déjà vu, est donc le suivant :

page24_case1_terminee

On voit que l’avant plan s’est enrichit de textures de matères. Certains détails sont faits avec une plume fine, contrairement aux contours plus larges des rochers par exemple.

Voilà une planche que j’attendais (et qui me stressait) de terminée. Avec également une case montrant un torrent, c’était un vrai défi. Mais d’autres difficultés m’attendent encore dans les planches suivantes, et déjà je me demande bien comment je vais bien pouvoir les dessiner… Mais chaque chose en son temps !

Un test d’encrage

makingofJ’avais expliqué auparavant combien encrer une scène de nuit me stressait. Je ne me suis donc pas lancé dans l’encrage sans bouée de sauvetage. J’ai réalisé d’abord un test sur calque, afin de déterminer si mes idées étaient les bonnes ou pas et quel rendu j’obtenais réellement.

Le risque majeur était de mettre trop de noir, écrasant le trait et les volumes. Cela aurait été dommage, mais comment utiliser au mieux les aplats de noir et les hachures ? Une fois le calque posé sur la feuille, je réalise un encrage des traits au feutre noir. Le but n’est pas d’être précis, mais rapide. Les tests d’encrage ne sont pas nouveau chez moi, je l’avais déjà fait pour la Chasseuse d’Hommes (voir un des numéros de la newsletter) ou même pour Jotunheimen :

encrage
Feutre, plume, pinceau… Tout y passe !

Au niveau des tests, le but n’est donc pas de réaliser la case et de voir si ça fonctionne mais d’essayer plusieurs techniques.

Encrage_02Je me suis d’abord attelé aux rideaux. En effet, la case, avec son point de fuite centrale, est déjà bien aplatie. Seuls la fenêtre et ses rideaux donnent pas mal de volume, aussi bien par la perspective que par le fait qu’ils soient moins “droits”.

J’ai donc rapidement hachuré le tout en essayant de poser les lumières correctement. Aplats de noir pour la barre, hachures pour le rideau, l’équilibre paraît juste.

Reste à savoir comment poser ma lumière intelligemment. Normalement, il n’y a pas de source particulière dans le refuge puisqu’on est la nuit et que les rideaux sont fermés. Si on veut être cohérent, il ne fait pas vraiment noir la nuit en été en Norvège puisqu’on n’est pas très loin du cercle polaire. Mais comme on est ici dans une bande-dessinée, on peut interpréter ! J’ai donc imaginé une source de lumière à droite (c’est-à-dire au niveau de l’entrée), comme les lumières indiquant les issues de secours. Une fois le test terminé, je déciderai de recentrer la lumière, ce qui correspond plus au choix de mise en scène de la planche.

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La lumière vient de la droite. Pas top.

Le plafond reste un souci à gérer. Je le veux noir . Mais comment éviter un gros aplat sans vie ? J’ajoute un arrondi classique pour donner un volume moins marqué est essaye de le mettre en aplat noir (à gauche) et en hachures (à droite). Comme rien ne me va, j’ajoute un liseré blanc (au crayon, non-visible sur le scan). C’est la solution qui sera finalement retenue.

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Test 1 – Test 2 – Version finale

On peut retrouver le même test pour les banquettes du bas, autre souci. Je voulais d’abord tout mettre en noir, mais je perdais toute notion de volume. J’ai donc décidé d’ajouter le même liseré blanc. Celui-ci est donc une interprétation, puisqu’il ne correspond en rien à une notion de lumière.

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Une fois les choix actés, il ne me restait plus qu’à encrer les deux cases correspondantes. Voilà le comparatif entre les deux versions :

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L’encrage final est réalisé à la plume (trois tailles de plume différentes). Les aplats sont réalisés au pinceau (au feutre pinceau pentel pour être précis)

Je termine cet article pour vous rappeler que je serai au We Do BD demain de 15h à 17h au Carreau du Temple à Paris avec le Culture Zine. Venez nombreux nous voir !

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La rentrée, ça décalque

makingofCe qui est bien à la rentrée, c’est que les cours reprennent. Avec grand plaisir, j’ai retrouvé l’atelier BD qui va me permettre de booster ma productivité. Cela faisait une semaine que j’attendais de retrouver une table lumineuse afin de dessiner ma prochaine planche. Cette dernière propose en effet un plan fixe de trois cases. C’est donc exactement le même décor, vu du même point, qu’il faut dessiner trois fois (à quelques nuances près quand même).

Dessin – Calque – Table lumineuse

Réaliser le décor n’était pas trop difficile puisqu’il est construit sur une symétrie centrale. C’était juste laborieux. Une fois que c’était fait, j’ai décalqué l’ensemble. Puis, à la table lumineuse, je l’ai reproduit dans les deux autres cases, apportant les retouches nécessaires. J’ai simplement ajouté les personnages et les textes en toute fin de production.

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Le décor basique sans accessoires ni texture.

Pour la première case, j’ai réalisé le personnage sur le calque, ayant peur d’effacer trop de parties de décors. J’ai déjà parlé de cette technique, adaptée lorsque l’on dessin son décor avant le personnage. Pour les deux cases du bas, les personnages sont vraiment intégrés au décor et ont été faits directement sur la planche.

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Ajouts du personnage en premier plan et affinage de certains détails.

Il ne me reste plus qu’à encrer la page, ce qui est plus facile à dire qu’à faire. En effet, j’aimerais une ambiance de nuit pour les cases 2 et 3 et je suis incapable de faire ça… Voilà le résultat actuel avec un décor densifié et plus fourni en détail.

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Une table lumineuse artisanale

Dans le cadre de ma participation au concours Jeunes Talents du festival Quai des bulles à Saint Malo, j’ai voulu gagner du temps en reprenant (en partie) une case de mon projet « Jotunheimen ». Hélas, aucune table lumineuse n’était à portée. J’ai alors profité du soleil pour faire (re)dessiner la case sur ma fenêtre. Dans ces moments-là, on est content de son exposition plein sud…

 

TableLumineuseArtisanale

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Éteindre la télévision

makingofAprès avoir refait la deuxième case de Jotunheimen, une autre case se devait d’être retravaillée. La problématique restait la même : incapable de faire ce que j’avais en tête au départ, j’avais modifié l’idée de départ et le compromis ne s’est pas révélé satisfaisant.

Même si on pourra m’accuser d’être obsédé par la perspective, c’est encore à une case vue de profil que je m’attaque. La case en soit est efficace. On voit Alexis en train de regarder la télévision, allongé dans le lit. Mais voilà que mes lecteurs me font des remarques pertinentes :

« Tu fais une perspective à 2 points de fuite première case, une à un dans la seconde et une à 0 ! pour la troisième !? Du coup la troisième ça fait un peu hiéroglyphe.» Madmarigan

« La case finale (…) fait redondance avec les positions de la planche précédente, quand il est assis à peindre. Même orientation, même point de vue.» Isangeles

L’explication en image :

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Même si dans la bande-dessinée, ces deux planches ne seront pas en vis-à-vis (mais devant-derrière), cela pose problème. Surtout, dans l’idée de départ, on voit Alexis regarder la télévision, celle-ci se retrouvant au premier plan. J’avais donc choisi une solution de facilité, n’arrivant pas à réaliser cette case. Je suis donc reparti en quête de cette case telle que je l’avais imaginée et crobardée sur mon storyboard.

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Je me suis aperçu qu’il était plus facile de trouver une photo de référence de quelqu’un lisant au lit plutôt que quelqu’un qui regarde la télévision. Or, la lecture est plus cohérente ici pour le personnage d’Alexis. La télévision en Norvège, voilà quoi…

J’ai posé les deux points de fuite et une fois les meubles dessinés, il n’était pas bien difficile de dessiner Alexis dans son lit. J’ai pu aussi mieux anticiper les récitatifs et placer les textes de façon plus naturelle. Ils comblent les vides.

Voilà le résultat final :

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Ce sera tout (pour le moment ?) concernant les refontes des cases précédentes. Il est temps de travailler sur les décors naturels qui remplaceront les architectures lorsque la randonnée commencera !

 

Une mise en perspective

makingofRefaire une case, c’est toujours difficile. Surtout qu’on a l’impression d’ouvrir la boîte de Pandore : rapidement, on s’aperçoit que tout serait à refaire ! Il faut alors savoir être pragmatique et ne refaire que ce qui nous paraît impossible à garder. Tout en sachant que ces choix sont bien entendu discutables…

En cette période de congés scolaires, j’en profite pour retoucher certaines planches. Ici, c’est le deuxième case de l’album qui est remise en cause ! Cette case m’avait posé énormément de problème au dessin, puisque je n’avais pas réalisé ce que j’imaginais au départ en storyboard. Devant la complexité, j’avais simplifié la case. Pire encore, la colorisation avait été une véritable torture. Bref, il fallait reprendre tout ça. Voilà, en gros, ce qui n’allait pas :

Page1Case2

Surtout, l’ensemble est terriblement plat. J’ai donc repris mon idée d’origine, qui est moins centré sur les personnages (ici, sans véritable intérêt), mais sur le lieu. L’inspiration est le Décathlon rive gauche (13ème arrondissement). Impossible d’avoir une image correcte sur Google Maps, j’ai fini par trouver quelque chose dans l’idée :

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Impossible de trouver le copyright pour cette photo. Google Maps/Streets semble-t-il.

C’est donc une jolie perspective à deux points de fuite. Pour éviter la redondance avec la première case, le point de cassure sera plus à gauche. En voilà le dessin actuellement :

Page1Case2_crayonné

Le problème posé ici est le vide côté droit. On y trouvera cependant l’entrée du magasin (qui cassera la perspective), le gorille/vigile. Surtout, cela me permet d’ajouter Alexis qui marche dans la rue et apparaît donc logiquement dans l’album à ce moment-là. C’était l’un de manques de la première version. Pour habiller le tout, j’ai aussi ajouter un pigeon qui vole (car le côté haut/droit de la case est très vide) et le même scooter en avant plan. Mais après réflexion, il semble que le scooter, vue la perspective, soit en train de voler…

J’ai aussi pu profiter de la planche pour travailler la perspective en damier, qui permet de faire en sorte que les fenêtres aient l’air plus petites plus elles sont loin. Avant je le faisais au feeling et mon feeling était assez mauvais. La technique utilisée est très simple à mettre en place et va vite (aussi vite qu’en le faisant au juger).

On voit bien les diagonales tracées sur le crayonné. Pour ceux que ça intéresse, j’ai utilisé le tutoriel très simple d’eMangaka. 

Maintenant que tout est posé, reste à fignoler tous les détails : les personnages bien entendu, mais aussi l’intérieur (ou pas ?) des vitrines. Car la perspective donne vite un aspect froid et trop rectiligne qu’il faut savoir casser en ajouter des détails opportuns aux bons endroits.

Mais où sont passés les trolls ?

makingofCes derniers mois, j’ai fini par accepter l’idée de revenir sur des planches pour faire progresser mon travail. Redessiner une case ou une planche est devenu une façon d’atteindre mes objectifs et de ne pas considérer une travail fini comme définitif. Retoucher et refaire, mais quoi exactement ?

Lorsque je dessine la planche 15 en novembre 2014, le test est crucial. Je suis alors en finalisation du scénario de Jotunheimen, mais je sais que le dessin de ce projet va ma poser des problèmes puisque la nature y est omniprésente. Les décors sont un personnage en eux-mêmes. Je m’attelle donc à la réalisation d’une planche test constituée uniquement de paysages norvégiens. Le résultat me convenant, je décide de me lancer dans l’aventure un mois plus tard, après avoir réalisé une planche test côté personnages.

Quatorze planches plus tard, j’aurais simplement pu passer à la seizième, considérant la quinzième comme terminée. Mais un souci majeur de lisibilité persiste, il me fallait le corriger. En effet, pour la deuxième case, le récitatif installé en bas ne convient pas et fausse le sens de lecture. Même si en soit, ce n’est pas grave puisque les textes sont une énumération de lieux, cela crée une forme de blocage lors de la lecture.

Voilà d’ailleurs ce que nous disait Dubatov :

« Juste je ferais une petite remarque sur la lisibilité du lettrage (…). Pour la lecture de la planche, le texte devrait peut-être suivre la lecture des images pour plus de fluidité dans la narration… La case 3 fait « remonter » l’œil dans la lecture de la page par exemple. Ce n’est pas trop gênant ici vu le côté descriptif du texte, façon carte postale. »

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Il fallait donc “simplement” remonter le récitatif. Mais vue la place du bus, je devais aussi décaler la case vers le bas. Bref, cela demandait à être redessiné. Heureusement que la table lumineuse permet de reprendre le dessin de base sans problème.

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À l’origine, une correction de la case 2 suffit. Mais tant qu’à faire, je décide de tout refaire. Avec une table lumineuse, le travail n’est pas si long que ça. Ainsi, en une vingtaine de minutes, tout le crayonné est refait. Cela me permit d’ajuster d’autres petits détails, comme l’encrage ou les textes.

Densifier l’encrage

Au fur et à mesure de la production de Jotunheimen, j’ai mis de côté les grands aplats de noir pour privilégier les hachures. Cela donne plus de volume et de matière. Cela est particulièrement flagrant pour mes personnages vu de dos en avant-plan :

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Je ne cache pas que cette idée d’un encrage plus en matière et plus fourni est lié à l’idée de me passer de couleurs pour la suite… Rien n’est décidé, mais je veux produire des planches lisibles même dépourvues de couleur.

Cet encrage plus en matière est visible avant tout pour la dernière case où l’arbre en avant plan est désormais moins plat. En revanche, l’encrage de la végétation est peut-être moins réussi.

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Au delà des hachures, j’ai aussi pris en compte les remarques de lisibilité liées à l’encrage trop plat. Ainsi, Boutanox disait :

« En comparant le crayonné et la version encrée, tu sembles perdre de la profondeur… C’est un problème récurrent (…) : l’encrage a souvent tendance à « aplatir » le dessin. Peut-être que tu gagnerais à utiliser plusieurs feutres d’épaisseurs différentes, en gardant les traits épais pour le premier plan, et les traits plus fins, plus estompés, pour l’arrière-plan… »

Depuis, j’utilise plusieurs épaisseurs de plumes pour ce projet, il me fallait donc aussi le faire pour cette planche. C’est le cas pour tous les avant-plans (végétation en case 1 et 4), le point de la case 2).

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Nouvelle technique sur Jotunheimen : les avant-plans sont encrés avec une plume plus épaisse, donnant plus de profondeur à l’encrage. Sur cette case, trois niveau de traits : les frères en gros, la mère en moyen et l’armoire avec un trait encore plus fin.

Concernant la case 2, j’en ai profité pour densifier l’encrage du coin haut-gauche (rochers mieux définis, cascade plus marquée…) et j’ai ajouté la texture des pierres du pont. En ajoutant des détails, j’insiste d’autant plus sur le fait que cet élément est proche du lecteur et cela donne de la profondeur. De plus, le pont était en soit un peu vide alors. Enfin, pour des questions de clarté, la rambarde n’est plus toute noire. Seule la partie “derrière” l’est afin de donne un peu de volume au pont en lui-même.

On peut remarquer également le rocher en bas à gauche avec un contour plus épais.

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Des récitatifs à adapter

J’ai profité de l’occasion pour changer également la place et la forme des récitatifs pour mieux les intégrer à l’ensemble. Ainsi Andalsnes devient Le village d’Andalsnes.

La dernière case ne me convenait pas, j’en ai profité pour décaler un peu les deux récitatifs vers les coins de la case.

page15_texte

Cette démarche de reprendre des planches déjà dessinées est de plus en plus intégrée dans mon travail. Ainsi, je prévois déjà de reprendre la case 2 de la page 1 et la case 3 de la page 13 que je trouve beaucoup trop plates. Pour un projet qui devrait me prendre près de 3 ans, je peux bien passer quelques heures à modifier des détails, non ?

Je suis complètement décalqué

makingofAujourd’hui, je vous présente une des astuces qui m’a été soufflée par mon prof pour faire la case 5 de la planche 11. Cette case a été maintes fois repensée avant d’arriver à sa version finale.

Dans la planche, plusieurs étapes se succèdent assez rapidement, mais logiquement : le personnage arrive à l’aéroport, récupère ses bagages, sort de l’aéroport, prend le bus puis arrive à son hôtel. Voilà le scénario (sommaire) écrit pour cette planche :

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Et le storyboard correspondant, d’une taille ridicule (agrandi ici pour l’occasion !)

case_storyboard

Avec cette base (conçue il y a plusieurs mois lors de l’écriture du scénario), je retravaille un storyboard plus abouti sur un format A4. J’écris cette fois les textes, afin de pouvoir les placer et de voir s’ils ne sont pas trop longs.

case_storyboard2

A ce moment là, il y a une case de plus dans la narration qui permet de mettre une pause en plein centre. La case qui nous intéresse (où le personnage demande “Trondheim train station ?” à l’entrée d’un bus) est à peine plus détaillée que sur le précédent storyboard. Le problème ici est que j’ai storyboardé un peu à l’arrache sur une feuille A4, certes, mais dans un format presque carré. Du coup, une fois tracé sur la planche, les cases du milieu ne sont pas carrées mais verticales. Et pour les trois cases, ça ne va pas. Je recompose donc le tout avec les deux première au format paysage et la case 5 au format carré. Tout cela convient bien mieux, il est temps de réaliser le tout.

La vue pensée pour la case 5 est assez complexe dans le sens où l’on voit le personnage en train de monter (ou de se pencher) à l’intérieur du bus. Après quelques recherches du genre “intérieur bus” ou “porte bus”, je finis par trouver une image référence qui correspond à ce que je cherche :

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Je pose donc mes trois points de fuite et réalise le décor. En soit, pas de difficulté particulière. Une fois les points de fuite posé, il suffit d’y aller tranquillement. C’est l’avantage de la perspective, on ne peut pas vraiment se tromper.

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L’idée est de poser le décor pour ensuite ajouter le personnage à l’intérieur. C’est beaucoup plus simple que d’adapter un décor à un personnage, surtout qu’ici la position n’est pas forcément évidente. Mon prof me propose alors de dessiner le personnage sur un calque, afin de ne pas avoir à gommer mon décor lors de la réalisation. En bon élève, je m’exécute :

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On peut remarquer les petites marques sur les côtés qui délimitent la case. Elles permettent de bien recaler le calque quand on l’a enlevé. Le calque est scotché à la planche pendant la réalisation.

Superposés, voilà ce que ça donne :

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A ce moment-là, je m’aperçois que ça ne va pas. Le personnage est trop bas. Soit le bus est très haut sur roue, soit le pied est sous le bus… Bref, ça ne va pas. Comme on est sur calque, on ne s’embête pas, on relève simplement le calque.

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Il ne reste plus qu’à recopier le personnage à la table lumineuse. Pour cela, je l’encre rapidement au feutre pour mieux voir les traits. C’est fait très rapidement, les ajustements de posture et de tracés se font directement sur la planche.

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Ensuite, on encre :

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Voilà pour le détail de création de cette planche assez différente de ce que je fais habituellement. Même si cela semble long et fastidieux, cela ne m’a pas pris forcément beaucoup de temps. Du coup, j’ai réutilisé cette façon de faire dès la première case de la planche suivante. Je prends énormément de plaisir à utiliser ces techniques traditionnelles qui ne sont pas sans rappeler la façon de travailler aujourd’hui sur Photoshop !

Un jeu d’enfants

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Chaque année depuis 2011 je participe aux 23 heures de la bande-dessinée. L’occasion de repousser les limites de la bande-dessinée et d’explorer un peu des contrées inconnues. Les conditions des l’édition 2015 étaient les suivantes :

  • le thème : Les Naufragés
  • la contrainte était de faire apparaître David Hasselhof avec un T-shirt “I love Piak”.

Si le thème était dans la tradition des 23hBD (c’est-à-dire suffisamment large pour permettre aux dessinateurs de se l’approprier), la contrainte était une private joke de mauvais goût. Je l’ai pour ma part expédiée avec un poster dans la chambre de l’enfant.

Trouver une histoire exploitable rapidement.

Lors de la première heure, j’ai donc cherché une histoire. Ce que je ne voulais pas (et que j’ai vu dans beaucoup d’histoires), c’est un mec sur une île qui ne se rappelle plus pourquoi il est là. Typiquement le genre de scénario où on commence à dessiner sans trop savoir où l’on va. Voilà les idées qui me sont venues :

  • un jeune prof naufragé en collège ZEP (mais ça me paraissait un peu tiré par les cheveux)
  • des provinciaux naufragés à Paris (mais il fallait dessiner Paris et pour les 23h c’était trop galère)
  • des Parisiens naufragés dans la Creuse ou la Picardie (mais tenir une BD entière dessus ça paraissait compliqué)
  • des touristes naufragés chez les naturistes en Ardèche (mais là aussi, quel intérêt ?)

recherches

La première page de recherche.

Ressortir les projets du carton, une nouvelle tradition ?

Je me suis alors rappelé d’un vieux projet de BD jeunesse, Jeux d’enfants. Lors du festival de Puteaux d’il y a trois ans, je développe l’idée d’un petit garçon qui s’imagine une histoire. Celle-ci est toujours perturbée par sa sœur. J’avais écrit la première séquence, sur le monde des cowboys. L’idée était de décliner sur tous les univers classiques de jeu (conquête spatiale, pirates, guerre, etc.). J’avais en tête un diptyque : premier tome pour les jeux de garçons, deuxième tome pour les jeux de fille. Le tout était prévu un numérique (c’était l’époque où on croyait que le numérique permettrait de faire des choses incroyable en BD…) avec des fondus de cases lorsqu’on passait de l’univers fantasmé à l’univers réel.

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Bref, les 23h me donnaient l’occasion de tester le concept en l’adaptant aux pirates.

Afin de bien construire l’ensemble, j’écris quelques premières idées, puis me lance dans le scénario de façon plus construite. J’écris l’histoire du pirate, puis intercale les scènes annexes. Ainsi, le kraken était à l’origine la sœur et non la mère !

Maintenir une qualité graphique sur les 23 heures.

Niveau dessin, j’ai relu ma participation de l’année dernière, Un Cas d’Espèce et j’ai été très déçu du résultat. Trop ambitieux graphiquement, le dessin est inégal et parfois franchement moche. J’ai gardé ça en tête et ai évité de bâcler des cases, même si rien n’est parfait bien évidemment.

Je suis parti sur un papier de bonne qualité : 250 g/m². Cela me donnait un vrai confort. Ce sont de grandes pages en A3 où j’ai dessiné deux pages (en A4 paysage) dessus. Cela m’a aussi permis de dessiner les encadrements de façon plus efficace.

J’ai encré le tout à la plume. C’est très galère, surtout que cela donne inévitablement des bavures quand la fatigue se fait sentir. Mais je suis très à l’aise avec et le feutre donne un résultat sans délié qui me gêne. J’ai utilisé deux plumes de tailles différentes pour faire des avants-plans qui ressortent plus. Les aplats sont faits au feutre pinceau.

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Un exemple de l’utilisation pertinente de la grosse plume : les déliés sont imposants et donnent du volume au Kraken.

Au niveau des références, on notera Calvin & Hobbes de Bill Watterson, notamment dans son utilisation de Spiff le spationaute. Du coup, mon projet m’est apparu pas si original que ça. De quoi le replonger dans mes tiroirs ? Certainement !

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Pour dessiner les pirates et tout ce qui y a trait, je me suis basé sur le dessin de Masbou dans De Cape et de Crocs. Cela m’a servi de référence pour dessiner le bateau de pirate, l’hippopotame pirate, le chapeau du garçon, le kraken, etc. Le temps étant limité, difficile de passer du temps à faire des recherches complexes…

Masquer les limites graphiques.

Afin d’éviter d’avoir une bande-dessinée moche, il faut savoir frapper “fort” graphiquement régulièrement dans l’histoire, avec des grandes cases notamment, et éviter l’effet “plus le temps passe, moins je dessine bien”. Beaucoup utilisent des formats proches du strip pour garder un dessin constant (et peu fatigant). C’est un bon moyen de produire une bande-dessinée de qualité. Comme je ne suis pas doué pour le strip, j’essaie à l’inverse d’innover avec des mises en pages travaillées.

Au niveau du rythme, après avoir atteint le rythme d’une page par heure au tiers de l’épreuve, j’ai accéléré pour atteindre près de deux pages par heure. On va alors plus à l’essentiel.

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Une planche typique de fin d’épreuve : les personnages sont vus de loin et dessinés en raccourcis ! On remarque que je n’ai pas fait l’effort d’y dessiner les filles (en sirènes) afin de gagner du temps. 

Au final, je suis assez content du résultat. Vu l’épreuve, il y a évidemment plein de détails qui me gênent dans le dessin ou le scénario, mais j’ai pris beaucoup de plaisir à dessiner cette histoire. J’espère que vous en aurez eu autant à la lire !

Refaire une case

makingofRefaire une case est toujours désagréable, surtout quand elle a été encrée et colorisée ! Mais c’est parfois nécessaire. Dans le cas de Jotunheimen, j’avais réalisé la première case de l’album, avant tout pour me rassurer sur ma capacité à dessiner une grande case de décor urbain. Lors de la réalisation de cette première page, la question s’est donc posée : fallait-il refaire cette case ? La réponse : oui !

Tout d’abord, une petite comparaison entre les deux cases. Elles ont été réalisées sur le même format et le même type de papier.

case_01_a

case_01_b

Ce qui marque ici, c’est la finesse de l’encrage pour la deuxième version, notamment sur les fenêtres du ministère. Mais la composition elle-même est différente. Ainsi, la bâtiment prend plus de place, tant horizontalement que verticalement. Il donne bien plus l’impression d’avancer sur la Seine, tout comme le viaduc à droite, moins fuyant.

case_01_superposition

On voit bien avec la superposition des cases cette composition légèrement différente. La case est également plus haute, pour des raisons de mise en page. C’est aussi la différence entre faire une case isolée et l’intégrer réellement dans une planche !

case_01_détails

C’est alors l’occasion de retravailler le bâtiment et d’ajouter des détails. Je souhaitais d’abord corriger le problème des “pieds”, qui avaient une perspective suspecte. En suite, j’ai détaillé différents éléments, donnant un peu plus de volume et de profondeur à l’ensemble. Ce n’était pas énormément de travail, mais, satisfait du premier essai, je savais que j’allais y arriver et j’ai donc pu corriger les endroits trop simplistes.

case_01_viaduc

J’en ai profité pour ajouter le viaduc du métro, qui donne un peu plus d’identité à la page et un détail typique de Paris supplémentaire. Cela intègre mieux le pont qui vient ensuite et le métro correspondant.

case_01_oiseaux

Maintenant que je sais mettre des oiseaux dans les pages, je ne m’en suis pas privé… Trois niveaux de profondeur ici.

case_01_encrage

J’en ai profité pour essayer d’avoir un encrage plus intéressant. Outre la finesse de certains traits, j’ai ajouté une barrière en haut à gauche, j’ai affiné l’ombre à la fin de la passerelle pour mieux définir le volume et ai changé complètement ma façon d’encrer les pieds du bâtiment pour donner plus de volume et plus de noir aussi. Sous le pont, l’ombre sur le quai donne du volume au quai.

case_01_texte

Vu la nouvelle construction de la case, il paraissait plus intéressant d’écrire le texte sur deux lignes plutôt qu’une. Cela permet de mieux utiliser l’espace en haut à droite.

On pourra toujours me dire qu’une refonte complète de la case n’était pas forcément nécessaire. Mais dans un but d’amélioration, il aurait été dommage de ne pas modifier certains points et, malheureusement, cela passe souvent pas le fait de tout refaire. Et ce sont tous ces petits détails modifiés, mis bout à bout, qui, au final, me rendent satisfait de ma case. Ce qui n’était pas le cas avant !

Tracer des droites

makingofLe problème d’apprendre la perspective, c’est que l’on se sent obligé d’utiliser ses règles (au sens propre comme figuré !). Du coup, ça prend beaucoup de temps, mais le résultat est souvent au rendez-vous. Explications sur une case anodine qui a demandé du boulot.

D’abord, il est important de présenter la case en question. Elle doit montrer Alexis regarder quelque chose en rayon dans un magasin de sport. On le voit de trois quart et on ne distingue pas ce qu’il voit. La case est de taille moyenne. Voilà son crayonné final :

perspective2

Visiblement rien d’extraordinaire ici, mais la perspective y est essentielle. J’ai d’abord tenté d’y échapper (subtilement) en traçant le rayon de l’arrière plan. Ça faisait juste et je me suis arrêté là au premier abord. J’ai choisi (comme souvent) un point de fuite infini pour les verticales histoire qu’elles soient… verticales !

perspective2b

J’ai pu ensuite déterminer l’horizon et un premier point de fuite en rejoignant les deux lignes. Cela me permettait alors de dessiner le rayon des T-shirts proprement. J’ai souvent du mal à trouver mon horizon, notamment dans les plongées et les contre-plongées. Mais une fois que c’est fait, on sait alors que tout va être simple.

perspective2c

Après avoir dessiné une première la tente (au milieu bas de la case), je m’aperçois qu’elle est très bancale. Je comprend alors que je dois chercher mon deuxième point de fuite (quelque part à gauche) pour la positionner correctement au sol. C’est là que la différence avec le simple storyboard se faire. Sur un storyboard, on pose le décor au feeling. Ici, il faut être précis.

J’utilise à cet effet la technique de sioux de mon professeur ès bande-dessinée : dessiner le personnage en entier pour trouver le sol. Comme c’est un bas de page, cela m’oblige à coller une feuille supplémentaire pour en faire le prolongement. J’ajoute aussi le bas du rayon (en premier plan), ce qui me donne une droite. Quand elle croise l’horizon, j’ai mon deuxième point de fuite. Cela me permettra de tracer les affichettes correctement et d’ajouter des néons, donnant un peu de texture au plafond.

perspective2d

Au final, la case est “propre”, elle ne contient pas d’erreur de perspective. Malgré les impressions, les tracés des perspectives ont été plutôt rapides. J’ai avant tout perdu du temps à essayer de dessiner certains éléments sans passer par là. Pour rappel, voilà le storyboard qui ne faisait que poser l’attitude du personnage. J’ai ajouté de nombreux détails, comme le sac à dos en premier plan, ainsi que l’affiche avec un logo de randonnée qui donne des premières indications sur les motivations du personnage.

Et voilà le principe technique de tout cela : coller des feuille un peu partout autour de la planche pour pouvoir dessiner en hors case et trouver les points de fuite !

perspective2eS’il y a bien quelque chose que les cours de bande-dessinée m’ont appris, c’est que la perspective est essentielle, même pour un dessin non-réaliste. En effet, l’œil est exercé et remarque automatiquement les problèmes. C’est la même chose pour les proportions des personnages ou les défauts sur la position des mains. Et pour s’en affranchir, il faut maîtriser un minimum les principes de base et, surtout, ne pas hésiter à dessiner en dehors de la case !

Pour ceux qui veulent progresser en perspective, je vous invite à visiter le site eMangaka qui propose des cours simples pour maîtriser le sujet. Je m’en suis servi pour dessiner les arches d’un pont en perspective. 

Chercher la case

makingofSur Jotunheimen, j’essaie de ne pas me précipiter et de peaufiner au mieux les planches. Ainsi, la prochaine planche a été stoppée car les dialogues ne fonctionnaient pas correctement. Je continue donc à storyboarder l’histoire.

J’ai commencé à storyboarder l’histoire sur un format A5 avant de m’apercevoir que ce format était trop petit. En effet, je dessine sur un papier d’une surface quatre fois supérieur ! Voilà ce que donnait le storyboard original très succins. Attention, il y a du spoiler, même si ce n’est que la page 2 du livre.

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Cela donne des informations sur l’articulation des dialogues, mais il manque plein de choses. Ainsi, les bulles sont placées sans le texte, ce qui empêche d’anticiper leur taille. Or, le placement des phylactères est essentiel dans une bande-dessinée pour assurer la fluidité de la narration. De même, les décors sont complètement absents, tout comme les poses des personnages. On remarque qu’on retrouve ici le personnage de la vendeuse sous la forme de chatte et que le dessin des personnages est encore “à l’ancienne”, avec des museaux comme sur mes précédents projets.

J’ai donc repris cette basse sur un format A4, afin d’essayer de mieux poser les expressions et les poses. J’ai décidé aussi d’écrire complètement les dialogues afin de mieux visualiser les espaces. Afin d’éviter de trop spoiler, c’est mal écrit !

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Comme d’habitude, j’ai modifié des choses en reprenant le storyboard. J’ai inversé la vue de la première case. Il me paraissait plus pertinent de voir le personnage de la vendeuse de face (on la voit pour la première fois). La case 5 est également modifiée afin d’arrêter le face à face permanent entre les personnages. En effet, même les cases 3 et 4 fonctionnent comme une case unique où les personnages se font face. Comme la vendeuse parle seule dans cette case, c’était l’occasion de la présenter seule, avec une vue de côté. La partie à droite présentera le rayon avec les fameux duvets.

Malgré tout, la case 1 continue à ne pas me satisfaire. Voilà comme était écrite la case dans le scénario :

Alexis regarde la vendeuse, plutôt mignonne et sportive. Vue de manière à profiter de son popotin. Le héros semble ému et timide.

J’ai depuis cessé d’écrire le scénario ainsi, préférant réserver ce genre de considérations pour le dessin du storyboard. J’envisage ainsi que la case un ne montre pas Alexis ou du moins en avant-plan et en aplats de noir afin de bien mettre l’accent sur la vendeuse. Comme souvent après le storyboard, je fais des recherches de croquis pour mieux définir les poses et/ou les décors et perspectives.

Voilà la recherche pour la pose de découverte de la vendeuse.

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Tout ce travail en amont peut paraître laborieux, mais c’est ce qui permet de n’avoir plus que du plaisir lors du dessin de la planche : tout est préparé, il n’y a plus qu’à réaliser. J’ai négligé cet aspect lors de ma dernière planche et je perds actuellement du temps dessus à cause de ça. J’ai bâclé mon storyboard, changé d’avis en route et les poses de mes personnages ne fonctionnaient pas… Bref, rien ne sert de courir, il faut partir à point. Mais allez dire ça à un lapin !